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Esta inicio de curso hemos analizado algunas de las mejores opciones en el mercado, desde opciones para principiantes hasta modelos para músicos más avanzados. Aquí te dejamos nuestras recomendaciones para este comienzo lectivo en el conservatorio y escuelas de música:

El solfeo es el arte de leer e interpretar partituras, una habilidad fundamental para cualquier músico, ya sea aficionado o profesional. Aprender solfeo no solo permite descifrar lo que un compositor ha escrito, sino que también agudiza el oído musical, mejora la afinación y proporciona una comprensión más profunda de la estructura de la música.

Toda partitura comienza con el pentagrama, que es el conjunto de cinco líneas y cuatro espacios donde se escriben las notas y demás símbolos musicales. Tanto las líneas como los espacios se cuentan de abajo hacia arriba. La ubicación de una nota en una línea o espacio determinado indica su altura, es decir, si es un sonido más grave o más agudo.

Una clave es un símbolo que se coloca al principio del pentagrama y que establece la referencia para nombrar las notas. Fija el nombre y la altura de una nota en una de las líneas, y a partir de ella se deducen todas las demás.

• Clave de Sol: Es la más común y se utiliza para instrumentos con tesituras medias y agudas, como la guitarra, el violín, la flauta o la voz soprano y contralto. La clave de Sol se coloca en la segunda línea del pentagrama, indicando que esa línea corresponde a la nota "Sol".
• Clave de Fa: Se emplea para instrumentos de registro grave, como el bajo, el violonchelo o el fagot. Generalmente, se sitúa en la cuarta línea, que pasa a llamarse "Fa".
• Clave de Do: Es una clave que puede ubicarse en distintas líneas, señalando la posición del "Do" central. Es característica de instrumentos como la viola.

Cuando el precio y la fiabilidad están empatados, la decisión entre dos instrumentos como el Yamaha YAS-280 y el Eastman EAS-253 se reduce a lo que deseas del sonido, la comodidad, y cómo responden musicalmente. Aquí va un análisis para ayudarte a decidir.

Antes de entrar en las diferencias, lo que comparten cuando el coste y la fiabilidad están asegurados:

Ambos tienen la llave de Fa sostenido alto (High F#). Esto permite extender el registro agudo y facilita algunas digitaciones.

Hetman fabrica una amplia variedad de aceites para instrumentos de viento metal y madera, y Ultra-Pure fabrica lubricantes sintéticos comparables, de larga duración y sin olor, para prácticamente todas las mismas aplicaciones.

Aquí tienes una lista para comparar fácilmente las referencias principales de las dos marcas:

• Hetman 1 Light Piston Lubricant o Hetman 11 Light Rotor Oil es equiparable con Aceite Ultra Pure Ultra Light 50ml
• Hetman 2 Piston Lubricant o Hetman 12 Rotor Oil es equiparable con Aceite Ultra Pure Professional 50ml
• Hetman 3 Classic Piston Lubricant es equiparable con Aceite Ultra Pure Ultra Classic 50ml
• Hetman 5 Tuning Slide Oil es equiparable con Lubricante para Bombas Ultra Pure Formula 1-3
• Hetman 14 Bearing and Linkage Lubricant es equiparable con Aceite Llaves y Rotores Ultra Pure 20ml

Los aceites se dividen en varias categorías, como los derivados del petróleo, los sintéticos o los bioaceites. Algunos aceites para válvulas son mezclas que contienen dos o tres de estos tipos, mientras que otros son exclusivamente de un tipo. Estos aceites se desarrollan mezclando varios aceites para satisfacer las necesidades específicas de cada instrumento.

Cuando nos adentramos en el mundo de las guitarras acústicas, hay un elemento que destaca sobre todos los demás: la madera. A menudo, los guitarristas novatos se concentran en aspectos como el tipo de cuerdas o la forma del cuerpo, pero el material con el que está hecha la guitarra tiene un impacto mucho más profundo en su sonido. Desde la tapa hasta el mástil, cada pieza de madera contribuye a la resonancia, la tonalidad y la longevidad de la guitarra. Así, elegir el tipo de madera adecuado se convierte en una de las decisiones más importantes al comprar una guitarra acústica.

Cada tipo de madera tiene una respuesta vibratoria única. Esta respuesta afecta cómo se transmiten las ondas sonoras dentro de la guitarra y, por ende, cómo se escuchan los tonos y armónicos. Además, el proceso de fabricación, como el grosor de la tapa, el tipo de lacado o el aceitado de la madera, también juega un papel crucial en la respuesta tonal.

La madera determina la resonancia y el sustain de la guitarra, dos factores clave que influyen en cómo se "siente" el instrumento al tocarlo. Una tapa de madera más rígida (como la pícea) proporcionará un tono claro y preciso, mientras que una madera más blanda (como el cedro) generará un sonido más cálido y redondeado. Además, las maderas más densas, como el palisandro o el ébano, ofrecen un sustain más largo y una mejor definición en los graves y agudos.

La elección del cabezal adecuado para el flautín es una decisión clave que puede tener un impacto significativo en la calidad sonora, la comodidad al tocar y la respuesta del instrumento en diferentes registros y contextos musicales. Hoy en día, los dos estilos más comunes de cabezales de flautín disponibles en el mercado son el corte tradicional y el corte wave (ondulado o ola). Aunque a simple vista puedan parecer similares, sus diferencias de diseño influyen profundamente en la experiencia interpretativa.

Tanto si estás considerando adquirir un nuevo flautín completo como si buscas mejorar tu instrumento actual con un cabezal de reemplazo, conocer estas diferencias te permitirá hacer una elección informada y ajustada a tus necesidades musicales y técnicas.

La diferencia más evidente entre un cabezal tradicional y uno wave reside en la forma y diseño de la embocadura, es decir, la abertura por donde se introduce el aire en el instrumento. El cabezal tradicional, como su nombre indica, responde a un diseño clásico que se ha mantenido vigente durante décadas. En este modelo, la embocadura presenta una forma ovalada o redondeada, sin relieves ni modificaciones adicionales. Este diseño requiere que el flautista tenga un control preciso sobre la forma de su embocadura y la dirección del aire.

Desde su inicio en 1954 con la producción del primer saxofón tenor T-3, Yanagisawa ha sido sinónimo de excelencia en la fabricación de saxofones. A lo largo de más de seis décadas, la compañía ha evolucionado de manera impresionante, no solo en la calidad de sus instrumentos, sino también en su enfoque hacia la artesanía, la tecnología y la innovación. Si bien el saxofón como instrumento musical tiene una historia relativamente corta en comparación con otros, como el violín o el piano, los saxofones Yanagisawa han logrado conquistar el mundo de la música profesional, ganándose la admiración de músicos y críticos por igual.

La historia de Yanagisawa comienza en 1894, cuando Tokutaro Yanagisawa empezó a reparar instrumentos de viento para las bandas militares japonesas. Su habilidad en la reparación pronto lo llevó a fundar una fábrica, la primera en Japón dedicada a la construcción de instrumentos de viento. Sin embargo, no fue hasta 1951, cuando el hijo de Tokutaro, Takanobu Yanagisawa, construyó su primer saxofón, que la marca comenzó su aventura en la producción de saxofones. A pesar de que ya existían saxofones en Japón, estos eran de baja calidad comparados con los modelos internacionales, y las aspiraciones de Yanagisawa eran mucho más altas.

El verdadero punto de inflexión en la historia de Yanagisawa llegó entre 1968 y 1977, cuando la compañía comenzó a diseñar saxofones que no solo destacaban por su sonido, sino por su diseño estructural. En 1968, lanzaron el primer saxofón soprano japonés (el modelo S-6) y continuaron perfeccionando sus instrumentos para adaptarse a las diferentes necesidades de los músicos. El cambio hacia un enfoque de "tecnología Yanagisawa" se consolidó en 1977, cuando la compañía presentó una nueva línea profesional de saxofones de soprano, alto y tenor, que mostraban el compromiso con la flexibilidad y la versatilidad sonora.

Cuando escuchamos la palabra "himno", muchos pensamos automáticamente en el himno nacional, cantado con solemnidad en eventos oficiales o deportivos. Pero ¿sabías que el concepto de "himno" ha cambiado profundamente a lo largo de los siglos? Y en el caso de España, ¿te has preguntado por qué su himno no tiene letra?

El término "himno" proviene de la antigua Grecia, donde designaba poemas acompañados de música para alabar a dioses, héroes o conceptos sagrados. Aunque los himnos griegos no influyeron directamente en la música occidental, sí establecieron la base de lo que luego evolucionaría.

Durante siglos, especialmente desde el nacimiento del cristianismo hasta el siglo XVIII, el himno se entendía casi exclusivamente como una forma musical litúrgica, integrada en el rito cristiano. Eran piezas repetitivas, fáciles de aprender y cantar, diseñadas para ser memorizadas por el pueblo, lo cual las hacía herramientas muy eficaces para la difusión de ideas religiosas.

Aunque a primera vista los trombones puedan parecer instrumentos sencillos, un largo tubo de metal con una vara que se desliza, su evolución ha incorporado mecanismos complejos que amplían su registro, mejoran su ergonomía y multiplican sus posibilidades en el ámbito interpretativo.

Entre estos avances, los transpositores o válvulas son de especial importancia, especialmente en los trombones con transpositor en Fa (F-attachment) o trombones bajos. En esta explicación de nuestro blog de música exploraremos los distintos tipos de válvulas y las formas o “wraps” de las tuberías, destacando sus ventajas, inconvenientes y preferencias más habituales entre trombonistas.

Un transpositor (también llamado válvula, trigger o attachment) es un mecanismo que, al ser activado por el pulgar, desvía el flujo de aire a través de un tubo adicional. Esto cambia la longitud total del tubo del instrumento y, por ende, transpone la afinación del trombón, permitiendo alcanzar notas más graves y facilitando ciertos pasajes técnicos.

¿Estás aprendiendo a tocar el saxofón alto o pensando en retomarlo? Entonces sabes que las partituras son tu mejor compañera de viaje. Pero, ¿cómo saber cuáles son adecuadas para tu nivel? ¿Qué libros te ayudan realmente a progresar? Y, muy importante, ¿por qué vale la pena invertir en buenas partituras?

En esta guía te contamos todo lo que necesitas saber para dominar el saxofón alto desde cero: partituras por nivel, consejos de estudio, libros recomendados y por qué comprar partituras puede ser una de las mejores decisiones musicales que tomes.

En cuanto a la dificultad, se suelen clasificar en tres niveles principales:

Las partituras de este nivel incluyen:

• Melodías simples (máximo una octava y media de registro).
• Frases cortas, sin saltos complicados.
• Ritmos básicos (blancas, negras, corcheas).